ENRIQUE MEDINA RAMELA
Nace en 1935 en Montevideo.
http://www.arteuy.com.uy/MedinaE/arteuymedina.htm
sábado, 13 de diciembre de 2008
lunes, 21 de julio de 2008
Arquitectura Coloniense con una mirada diferente
Arquitectura Neoclásica
Estilo neoclásico El término neoclasicismo surgió en el SXIX para denominar de forma peyorativa al movimiento estético que venía a reflejar en las artes los principios intelectuales de la ilustración que desde mediados del S XVIII, se venía produciendo en la filosofía y que consecuentemente se había transmitido a todos los ámbitos de la cultura.
Estilo neoclásico El término neoclasicismo surgió en el SXIX para denominar de forma peyorativa al movimiento estético que venía a reflejar en las artes los principios intelectuales de la ilustración que desde mediados del S XVIII, se venía produciendo en la filosofía y que consecuentemente se había transmitido a todos los ámbitos de la cultura.
Arquitectura Ecléctica
El término eclecticismo proviene del griego eklegein, «escoger», es en filosofía la escuela de pensamiento que se caracteriza por escoger (sin principios determinados) concepciones filosóficas, puntos de vista, ideas y valoraciones entre las otras demás escuelas que se asume pueden llegar a ser compatibles de forma coherente, combinándolas y mezclándolas aunque el resultado pueda ser a menudo contrapuesto sin llegar a formar un todo orgánico.
El término eclecticismo proviene del griego eklegein, «escoger», es en filosofía la escuela de pensamiento que se caracteriza por escoger (sin principios determinados) concepciones filosóficas, puntos de vista, ideas y valoraciones entre las otras demás escuelas que se asume pueden llegar a ser compatibles de forma coherente, combinándolas y mezclándolas aunque el resultado pueda ser a menudo contrapuesto sin llegar a formar un todo orgánico.
miércoles, 4 de junio de 2008
sábado, 31 de mayo de 2008
domingo, 25 de mayo de 2008
Historia del Arte
Arte Rupestre
Pinturas realizadas en las cavernas con pigmentos naturales. Figuras de animales, escenas de cacería y símbolos. Hechas por el hombre prehistórico
Egipto/Grecia/Roma
Culturas de la antigüedad de Africa y Europa que son la base de la cultura occidental. Arquitectura, pintura, escultura, etc.
Arte precolombino
Arquitectura, textiles, cerámicas, esculturas, etc. De las culturas americanas: Aztecas, Mayas, Incas, Mapuches, etc. Hechas por Culturas de América
Gótico
Período de la Edad Media que se representa con formas apuntadas (como indicando a lo divino en la luminosidad). El Greco
Renacimiento
Resurgimiento de las artes y las ciencias. Nace la “perspectiva y la simetría”. El hombre como centro del universo. L. Da Vinci, Miguel Ángel.
Barroco
Saturación, exageración de las formas y la decoración. Teatralidad y sentido de profundidad e infinito en los temas artísticos. Rubens, Rembrand, Velázquez
Neo clásico
Se retoman los temas clásicos, influencia de Roma y Grecia. Austeridad en las formas pictóricas y arquitectónicas. David, Ingres, Goya
Romanticismo
Sentido de tragedia. Temas de héroes y doncellas enamoradas. La muerte y el suicidio como temas recurrentes. Friedrich, Turner, Delacroix.
Realismo
Se representan escenas de la vida común donde aparecen personajes en labores cotidianas, obreros, campesinos, etc. Millet, Millais, Courbet, Corot.
Impresionismo
Nacimiento de las “Vanguardias”. Se pinta la primera impresión, paisajes en diversas horas del día para captar su luminosidad. Monet, Renoir, Degas
Post-Impresionismo
Traspaso a la libertad de trazos y temas pictóricos. Reafirmación de las vanguardias artísticas.
Van Gogh, Modigliani, Gauguin.
Cubismo
Geometrización de las formas. Se busca representar los objetos de diversas perspectivas al mismo tiempo. Pablo Picasso, Juan Gris, Braque.
Futurismo
Proyección del Cubismo. Inclusión de la dimensión del tiempo. Carácter “robótico” y de movilidad de los temas. Boccioni
Fauvismo
Utilización de colores “fuertes”, puros, sin prepararlos (rojos, verdes, amarillos, azules).
Matisse, Vlaminck.
Dadaísmo
Movimiento contestatario surgido en la primera guerra mundial. Reniega de todo lo establecido por medio de actos impropios. Marcel Duchamp, Max Ernst.
Surrealismo
Representación de los sueños o mundos y realidades fantásticas. S.Dalí, M. Chagal, Miró.
Expresionismo Alemán
Movimiento de la post-guerra, que utiliza colores fuertes y libertad en los trazos. El puente y el caballero azul (2 corrientes). Munch, Kokoschka, Kirchner.
Informalismo
Libertad en las técnicas y formas no figurativas como medio de expresión. Mezcla de texturas y otros materiales en la pintura. Kandinsky, Pollock, Tapies.
Pop-Art
Arte popular, sentido comercial del arte, fotos de cantantes, etiquetas de productos hechas en grandes formatos. Andy Warhol, Lichtenstein.
Op-Art
Imágenes que crean efectos visuales. Geomertización. Cinética y otros. Victor Vasarely
Arte Conceptual
Importancia del significado de la obra por sobre lo estético. Valor fundamental de los materiales que se utilizan. Joshep Beuys, Arp, John Cage.
Postmodernismo
Época actual. Se retoma todo lo hecho y se replantea con materiales y características actuales.
Grupo Malloko (Chile)
Arte Rupestre
Pinturas realizadas en las cavernas con pigmentos naturales. Figuras de animales, escenas de cacería y símbolos. Hechas por el hombre prehistórico
Egipto/Grecia/Roma
Culturas de la antigüedad de Africa y Europa que son la base de la cultura occidental. Arquitectura, pintura, escultura, etc.
Arte precolombino
Arquitectura, textiles, cerámicas, esculturas, etc. De las culturas americanas: Aztecas, Mayas, Incas, Mapuches, etc. Hechas por Culturas de América
Gótico
Período de la Edad Media que se representa con formas apuntadas (como indicando a lo divino en la luminosidad). El Greco
Renacimiento
Resurgimiento de las artes y las ciencias. Nace la “perspectiva y la simetría”. El hombre como centro del universo. L. Da Vinci, Miguel Ángel.
Barroco
Saturación, exageración de las formas y la decoración. Teatralidad y sentido de profundidad e infinito en los temas artísticos. Rubens, Rembrand, Velázquez
Neo clásico
Se retoman los temas clásicos, influencia de Roma y Grecia. Austeridad en las formas pictóricas y arquitectónicas. David, Ingres, Goya
Romanticismo
Sentido de tragedia. Temas de héroes y doncellas enamoradas. La muerte y el suicidio como temas recurrentes. Friedrich, Turner, Delacroix.
Realismo
Se representan escenas de la vida común donde aparecen personajes en labores cotidianas, obreros, campesinos, etc. Millet, Millais, Courbet, Corot.
Impresionismo
Nacimiento de las “Vanguardias”. Se pinta la primera impresión, paisajes en diversas horas del día para captar su luminosidad. Monet, Renoir, Degas
Post-Impresionismo
Traspaso a la libertad de trazos y temas pictóricos. Reafirmación de las vanguardias artísticas.
Van Gogh, Modigliani, Gauguin.
Cubismo
Geometrización de las formas. Se busca representar los objetos de diversas perspectivas al mismo tiempo. Pablo Picasso, Juan Gris, Braque.
Futurismo
Proyección del Cubismo. Inclusión de la dimensión del tiempo. Carácter “robótico” y de movilidad de los temas. Boccioni
Fauvismo
Utilización de colores “fuertes”, puros, sin prepararlos (rojos, verdes, amarillos, azules).
Matisse, Vlaminck.
Dadaísmo
Movimiento contestatario surgido en la primera guerra mundial. Reniega de todo lo establecido por medio de actos impropios. Marcel Duchamp, Max Ernst.
Surrealismo
Representación de los sueños o mundos y realidades fantásticas. S.Dalí, M. Chagal, Miró.
Expresionismo Alemán
Movimiento de la post-guerra, que utiliza colores fuertes y libertad en los trazos. El puente y el caballero azul (2 corrientes). Munch, Kokoschka, Kirchner.
Informalismo
Libertad en las técnicas y formas no figurativas como medio de expresión. Mezcla de texturas y otros materiales en la pintura. Kandinsky, Pollock, Tapies.
Pop-Art
Arte popular, sentido comercial del arte, fotos de cantantes, etiquetas de productos hechas en grandes formatos. Andy Warhol, Lichtenstein.
Op-Art
Imágenes que crean efectos visuales. Geomertización. Cinética y otros. Victor Vasarely
Arte Conceptual
Importancia del significado de la obra por sobre lo estético. Valor fundamental de los materiales que se utilizan. Joshep Beuys, Arp, John Cage.
Postmodernismo
Época actual. Se retoma todo lo hecho y se replantea con materiales y características actuales.
Grupo Malloko (Chile)
domingo, 27 de abril de 2008
JOAQUÍN TORRES GARCÍA
Universalismo Constructivo
Datos Biográficos
Nació en Montevideo en 1874, ingresó en la Escuela de Bellas Artes de Barcelona en 1892, tras el regreso de su familia a España. Aquí se vio muy influenciado por el movimiento modernista catalán, con el que siempre se identificó, e inició su amistad con Pablo Picasso, Antoni Gaudí y Mondrian.
Quien este último dejó sus huellas en la utilización de la línea y los colores puros.
Tras su regreso a Montevideo en 1934, funda la 'Asociación de Arte Constructivo' y más tarde el 'Taller Torres García'.
Su Obra
La idea de estructura como fundamento de la creación artística, Lo Abstracto y lo Concreto, Razón y Naturaleza, Simbolismo, Clasicismo, Arte Moderno y Arte de Tradición, Tono y Color y Lo Humano en el arte son algunas de las ideas que desarrolla Torres García
En los dibujos de Torres García se concreta en una multitud de formas, abarcando todo el espectro que va de la figuración a la abstracción pura, y mostrando sin embargo una gran unidad de conjunto que en esta muestra se potencia con la interacción con obras constructivas de otros formatos y soportes, todas ellas manifestaciones diversas de una misma manera de crear.
En pintura, propendió al planismo. El tono o valor, pertenece a un orden ideal; cada tono está visto y sentido en lo universal, mientras que el color ni es pensado ni visto de tal forma. El tono es construcción, no el color. Porque en el tono está lo profundo de la pintura.El Cubismo puede remontarse a 1912, la aparición del Neoplasticismo, en esas mismas condiciones, podríamos señalar desde su primera exposición en París en 1918.Después de Goya, el arte marca un descenso extraordinario; Generalmente, las gentes gustaban de aquella belleza que se les ofrecía: naturalismo.
Hay que hacer notar a los impresionistas que introducen una técnica nueva, que tiene que acabar con el ilusionismo imitativo. Y será Cezanne el que dará el golpe de gracia: un principio constructivo se introduce en el cuadro; es lo mejor que podía ocurrir.
Debía irse a un arte universal. Porque tal idea de construcción, parece que traer aparejada toda la grande y espiritual cultura de otros tiempos, verdaderos valores humanos, superando al materialismo moderno que hoy domina nuestra época.
Aunque hallamos hechos estas experiencias de levantar un arte universal, la tradición renacentista pesa sobre nosotros y será quizás para mucho tiempo: por esto hacemos, sobre todo, lo que llamamos pintura, si bien ya construida.
“Arte Universal Constructivo. Hablo ahora en general, pues puede haber artistas que no deban hacerlo, y deban limitarse a la Pintura, esto es cuestión personal. Y desde luego siempre que se trate de pintura mural, debe hacerse el arte constructivo; pero éste, podrá ser dentro de un orden universal, o dentro de un orden particular; también ésta es cuestión personal, dejando todo subjetivismo, todo expresionismo, volviendo la espalda al romanticismo, entrar en lo clásico, a fin de hallar el equilibrio y, por esto la serenidad en que debe colocarnos el arte. […] Y ahora para terminar, quiero explicar algo, con respecto a mi pintura, que creo útil recordar: en 1906 comencé yo a pintar al fresco, y tal pintura se inspiraba en las formas clásicas de las pinturas de los vasos griegos, vale decir, en imágenes perfectamente normales. Tal pintura luego fue desarrollándose pero dentro del mismo espíritu: planista, ordenada, universal […] ya entonces desde 1916 hasta 1924 comencé a descomponer la imagen, y, en realidad, a encontrar una estructura. Por esto en 1928 y 1929, pude formular mi teoría de Arte Constructivo, y, entonces, en un plano universal. En parte queda explicado el porqué de tal cambio y la imposibilidad de volver a la imagen normal. Y si tal evolución o desarrollo se ha producido partiendo de una idea -lo estético […]”
Constructivismo
Movimiento artístico ruso de principios del siglo XX que ejerció una importante influencia en el arte europeo. El nombre hace referencia a la construcción de esculturas abstractas partiendo de una gran variedad de materiales industriales, como metal, alambre y trozos de plástico.
Aunque el movimiento se dividió en diferentes corrientes en la década de 1920, en general el constructivismo defendió los ideales del utilitarismo, el funcionalismo y la abstracción.
El constructivismo ejerció una gran influencia sobre la escultura, arquitectura y, especialmente, el diseño industrial del siglo XX y su defensa de los materiales modernos y de las líneas puras sirvió para reforzar la naciente estética del funcionalismo.
Pedro Figari 1861-1938
Datos BiográficosPintor, abogado y periodista uruguayo, figura destacada de la etapa postimpresionista en su país, caracterizado por su carácter polifacético y su voluntad americanista.
Después de concluir sus estudios de abogacía conoció al maestro Godofredo Sommavilla, pintor italiano de formación académica con el que estudió un tiempo.
De regreso al Uruguay, en 1896 fue elegido diputado por el departamento de Rocha y dos años después entró a formar parte del Consejo de Estado, impulsó la creación de la Escuela de Bellas Artes.
En medio de esta polifacética actividad no abandonó la pintura ni el dibujo, que fueron una dedicación permanente a través de su vida. En 1909 ingresó en el directorio de la Escuela Nacional de Artes y Oficios, de la que llegó a ser director en 1915.
En 1921 se trasladó a Buenos Aires, y allí dedicó cuatro años en exclusiva a la pintura para volver inmediatamente a París, donde permaneció durante nueve años y obtuvo su consagración como artista plástico.
Su Obra
Toma las bases del impresionismo, en ese momento en el Uruguay está en pleno momento de búsqueda de los caracteres nacionales.
En un segundo período prevalecen las costumbres y la reproducción de hechos históricos.
De la pintura napolitana, tomo del “Ottocento” la pintura de manchas y de pasta abundante.
Inspirado por Cúneo practicó la pintura planista, busca estudiar el paisaje, plasmando la luz de los campos desérticos sin presencia humana y con el astro en el cenit.
Es un pintor de personajes, pero no retratista, resalta la figura del negro, criollo y el gaucho, hasta la vida civilista. Estando en París pinta de memoria, y reconstruye los paisajes urbanos y rurales, bailes típicos como los cielitos, pericones y candombes, hizo uso de la policromía y utilizó colores vibrantes, pero la brillantes de los mismos eran absorbidas por el ocre del cartón.
Se transformó en un comentador gráfico, un reconstructor del pasado ç, de la leyenda y la crónica histórica, cultivando lo nuestro, lo autóctono.
Sus obras parecen fragmentos encuadrados de una misma tira de colores, sonde sus personajes se mueven en sentido de horizontalidad, lo que caracteriza de color y movimiento a todas sus obras.
Bibliografía
www.montevideo.com.uy/universalismo
http://www.mnav.gub.uy/
http://www.torresgarcia.org.uy/
Encarta, 2005
Pinacoteca de los genios, Figari, Codex S. A. Bs As, 1965.
BSE, Almanaque 1999, Montevideo, 1999.
IMM, Exposición Figari, Catálogo, 1979.
BATTEGAZZORE, Miguel A., La trama y los signos, Gordon S. A., Montevideo, 1999.
Leonardo da VINCI (1452- 1519)
Maestro del renacimiento, famoso pintor, escultor, arquitecto, ingeniero y científico.Su profundo amor por el conocimiento y la investigación fue la clave tanto de su comportamiento artístico como científico. Sus innovaciones en el campo de la pintura determinaron la evolución del arte italiano durante más de un siglo después de su muerte; sus investigaciones científicas —sobre todo en las áreas de anatomía, óptica e hidráulica— anticiparon muchos de los avances de la ciencia moderna.
Las innovaciones estilísticas de Leonardo se hacen patentes en La última cena, en la que recrea un tema tradicional de manera completamente nueva. En lugar de mostrar a los doce apóstoles aislados, los presenta agrupados de tres en tres dentro de una dinámica composición. Cristo —en el momento de anunciar la traición de uno de ellos— sentado en el centro y teniendo como fondo un triple ventanal en el que un paisaje se difumina en la distancia, representa un núcleo de serenidad, mientras que los rostros y gestos de los discípulos exteriorizan el drama que supone este momento.
Técnicas
Claroscuro, efectos de luz y sombra en pinturas o dibujos, ya sea monocromo o en color.
Suele referirse a una técnica que contrasta zonas brillantemente iluminadas con otras de densa sombra, para conseguir efectos dramáticos. Es una característica de las obras de los maestros renacentistas del siglo XVI
Sfumato, consiste en eliminar los contornos nítidos y precisos de las líneas y diluir o difuminar éstos en una especie de neblina que produce el efecto de inmersión en la atmósfera.
Fondos de paisajes, introduce la perspectiva atmosférica (creación de efectos de lejanía aplicando el sfumato y otros recursos ambientales). Los numerosos dibujos que se conservan de Leonardo revelan su perfección técnica y su maestría en el estudio de las anatomías humana, de animales y plantas.
La perspectiva es una forma de aumentar la realidad, y esta se prolonga en la Última Cena por medio de las tres ventanas del fondo.
El punto central, “punto de fuga” es aquel en que se entrecruzan todas las líneas y en la observación de esta pintura se da en el rostro de Cristo.
Fuentes
Enciclopedia Encarta, 2005
PINGUILLY, Yves, Leonardo De Vinci, El pintor que habla con los pájaros, Anaya, Madrid, 1992.
ESTILOS PICTORICOS S.VXIII
Estilo Rococó
Estilo pictórico y decorativo del siglo XVIII que se caracterizó por una ornamentación elaborada, delicada y recargada.
Se divide en tres periodos: 1) Estilo Regencia (1705 - 1730); 2) Estilo Luis XV (1730 - 1750); 3) Estilo Pompadour (1750 – 1765)
Sus orígenes no son exactos, pero parece haber comenzado con las pinturas de Jean-Antoine Watteau, cuyos cuadros de colores delicados sobre escenas aristocráticas que se desarrollan en medio de un entorno idílico rompen con el heroísmo del estilo de Luis XIV.
El término rococó proviene del francés rocaille, que significa ‘rocalla’. En decoración, se caracterizó por una ornamentación basada en arabescos, conchas marinas, curvas sinuosas y en la asimetría; en pintura se distinguió por el uso de colores pastel más bien pálidos.
Los temas preferidos fueron: las escenas pobladas amorcillos, escenas galantes, aventuras amorosas, minués, tono frívolo de las fiestas elegantes, en los interiores de los palacios o en los bosques.
La imagen del rococó estaba vinculada a los conceptos de erotismo, frivolidad y belleza.
El estilo rococó se difundió rápidamente por otros países europeos, particularmente por Alemania y Austria, donde se entremezcló con el barroco creando un estilo suntuoso y profuso, especialmente en iglesias y espacios sagrados.
En Francia dio paso al austero estilo neoclásico a finales del siglo XVIII y desapareció con el inicio de la Revolución Francesa en 1789 de manera repentina y por completo.
Francisco de Goya y Lucientes (1746-1828), pintor y grabador español considerado uno de los grandes maestros de la pintura.
Formado en un ambiente artístico rococó, pasando por el neoclasicismo, hasta evolucionar hacia un estilo muy personal.
Luis Paret y Alcázar (1746-1799), pintor español del rococó, especializado en la representación exquisita y refinada de paisajes, vistas urbanas e interiores palaciegos.
Su estilo se caracteriza por una gran elegancia y gracia compositiva y por un marcado interés para lograr una pintura agradable a la vista, protagonizada por un vibrante colorido.
Anton Raphael Mengs (1728-1779), pintor alemán y figura importante en el desarrollo del neoclasicismo, era pintor de la corte.
Gran parte de la primera producción de Mengs consiste en retratos al pastel o al óleo, a menudo en un estilo que recuerda el arte cortesano francés.
Mengs continuó su producción retratística, destacando, entre otros, Carlos IV, príncipe de Asturias (c. 1765), María Luisa de Parma, princesa de Asturias (c. 1765), Fernando IV, rey de Nápoles (1760).
Estilo pictórico y decorativo del siglo XVIII que se caracterizó por una ornamentación elaborada, delicada y recargada.
Se divide en tres periodos: 1) Estilo Regencia (1705 - 1730); 2) Estilo Luis XV (1730 - 1750); 3) Estilo Pompadour (1750 – 1765)
Sus orígenes no son exactos, pero parece haber comenzado con las pinturas de Jean-Antoine Watteau, cuyos cuadros de colores delicados sobre escenas aristocráticas que se desarrollan en medio de un entorno idílico rompen con el heroísmo del estilo de Luis XIV.
El término rococó proviene del francés rocaille, que significa ‘rocalla’. En decoración, se caracterizó por una ornamentación basada en arabescos, conchas marinas, curvas sinuosas y en la asimetría; en pintura se distinguió por el uso de colores pastel más bien pálidos.
Los temas preferidos fueron: las escenas pobladas amorcillos, escenas galantes, aventuras amorosas, minués, tono frívolo de las fiestas elegantes, en los interiores de los palacios o en los bosques.
La imagen del rococó estaba vinculada a los conceptos de erotismo, frivolidad y belleza.
El estilo rococó se difundió rápidamente por otros países europeos, particularmente por Alemania y Austria, donde se entremezcló con el barroco creando un estilo suntuoso y profuso, especialmente en iglesias y espacios sagrados.
En Francia dio paso al austero estilo neoclásico a finales del siglo XVIII y desapareció con el inicio de la Revolución Francesa en 1789 de manera repentina y por completo.
Francisco de Goya y Lucientes (1746-1828), pintor y grabador español considerado uno de los grandes maestros de la pintura.
Formado en un ambiente artístico rococó, pasando por el neoclasicismo, hasta evolucionar hacia un estilo muy personal.
Luis Paret y Alcázar (1746-1799), pintor español del rococó, especializado en la representación exquisita y refinada de paisajes, vistas urbanas e interiores palaciegos.
Su estilo se caracteriza por una gran elegancia y gracia compositiva y por un marcado interés para lograr una pintura agradable a la vista, protagonizada por un vibrante colorido.
Jean-Antoine Watteau (1684-1721), pintor francés considerado uno de los principales artistas del periodo rococó y precursor del impresionismo del siglo XIX.
Watteau nació en Valenciennes (hoy en Francia) el 10 de octubre de 1684. A la edad de 14 años comenzó a estudiar en su ciudad natal de la mano de un humilde pintor de temas religiosos.
Sus lienzos reflejan la influencia de los grandes pintores flamencos, especialmente de Rubens y de la escuela veneciana.
Su estilo, sin embargo, puso de manifiesto una sensibilidad en el tratamiento de la luz y el color, una sensualidad, una delicadeza y un lirismo hasta entonces desconocidos.
El estilo de Watteau fue imitado por otros pintores rococó, pero ninguno logró alcanzar las cualidades de su pintura.
Entre los temas favoritos de Watteau destacan las reuniones galantes al aire libre, conocidas como ‘escenas galantes’ (fêtes galantes), en las que elegantes cortesanas y caballeros pasan el tiempo en placenteras fiestas rodeados de árboles.
Su obra maestra de este tipo de escenas fue “Viaje a la isla de Citeres” o Embarco para Citeres (1717, Louvre, París).
Fue requisito de recepción en la Academia Real de París, como requisito para ser nombrado miembro en 1712.
Estilo Neoclásico
Estilo artístico que se desarrolló especialmente en la arquitectura y las artes decorativas; floreció en Europa y Estados Unidos aproximadamente desde el año 1750 hasta comienzos de 1800 y se inspiró en las formas grecorromanas.
Más que un resurgimiento de las formas antiguas, el neoclasicismo relaciona hechos del pasado con los acontecidos en su propio tiempo.
Los artistas neoclásicos fueron los primeros que intentaron reemplazar la sensualidad y la trivialidad del rococó por un estilo lógico, de tono solemne y austero.
Cuando los movimientos revolucionarios establecieron repúblicas en Francia y en América del Norte, los nuevos gobiernos republicanos adoptaron el neoclasicismo como estilo oficial porque relacionaban la democracia con la antigua Grecia y la República romana. Más tarde, cuando Napoleón I subió al poder en Francia, este estilo se modificó para servir a sus necesidades propagandísticas. Con el nacimiento del movimiento romántico (véase Romanticismo) la prioridad por la expresión personal sustituyó al arte basado en valores ideales.
Watteau nació en Valenciennes (hoy en Francia) el 10 de octubre de 1684. A la edad de 14 años comenzó a estudiar en su ciudad natal de la mano de un humilde pintor de temas religiosos.
Sus lienzos reflejan la influencia de los grandes pintores flamencos, especialmente de Rubens y de la escuela veneciana.
Su estilo, sin embargo, puso de manifiesto una sensibilidad en el tratamiento de la luz y el color, una sensualidad, una delicadeza y un lirismo hasta entonces desconocidos.
El estilo de Watteau fue imitado por otros pintores rococó, pero ninguno logró alcanzar las cualidades de su pintura.
Entre los temas favoritos de Watteau destacan las reuniones galantes al aire libre, conocidas como ‘escenas galantes’ (fêtes galantes), en las que elegantes cortesanas y caballeros pasan el tiempo en placenteras fiestas rodeados de árboles.
Su obra maestra de este tipo de escenas fue “Viaje a la isla de Citeres” o Embarco para Citeres (1717, Louvre, París).
Fue requisito de recepción en la Academia Real de París, como requisito para ser nombrado miembro en 1712.
Estilo Neoclásico
Estilo artístico que se desarrolló especialmente en la arquitectura y las artes decorativas; floreció en Europa y Estados Unidos aproximadamente desde el año 1750 hasta comienzos de 1800 y se inspiró en las formas grecorromanas.
Más que un resurgimiento de las formas antiguas, el neoclasicismo relaciona hechos del pasado con los acontecidos en su propio tiempo.
Los artistas neoclásicos fueron los primeros que intentaron reemplazar la sensualidad y la trivialidad del rococó por un estilo lógico, de tono solemne y austero.
Cuando los movimientos revolucionarios establecieron repúblicas en Francia y en América del Norte, los nuevos gobiernos republicanos adoptaron el neoclasicismo como estilo oficial porque relacionaban la democracia con la antigua Grecia y la República romana. Más tarde, cuando Napoleón I subió al poder en Francia, este estilo se modificó para servir a sus necesidades propagandísticas. Con el nacimiento del movimiento romántico (véase Romanticismo) la prioridad por la expresión personal sustituyó al arte basado en valores ideales.
Anton Raphael Mengs (1728-1779), pintor alemán y figura importante en el desarrollo del neoclasicismo, era pintor de la corte.
Gran parte de la primera producción de Mengs consiste en retratos al pastel o al óleo, a menudo en un estilo que recuerda el arte cortesano francés.
Mengs continuó su producción retratística, destacando, entre otros, Carlos IV, príncipe de Asturias (c. 1765), María Luisa de Parma, princesa de Asturias (c. 1765), Fernando IV, rey de Nápoles (1760).
PABLO PICASSO
Estilo
Entre los años 1907 y 1914, Picasso desarrolló el cubismo en París, inspirándose en formas geométricas, para representar paisajes, naturalezas muertas, y formas humanas.
El cubismo llegó a ser el estilo artístico que más influencia ejerció en todo el siglo XX; se basa en la descomposición de la imagen tridimensional en multitud de puntos de vista bidimensionales, rechazando los valores tradicionales de la perspectiva, el escorzo, el modelado y el claroscuro.
El cubismo en América Latina tiene, entre otros representantes, en la década de 1930 se da a conocer el uruguayo Joaquín Torres García, precursor del constructivismo.
Entre los años 1907 y 1914, Picasso desarrolló el cubismo en París, inspirándose en formas geométricas, para representar paisajes, naturalezas muertas, y formas humanas.
El cubismo llegó a ser el estilo artístico que más influencia ejerció en todo el siglo XX; se basa en la descomposición de la imagen tridimensional en multitud de puntos de vista bidimensionales, rechazando los valores tradicionales de la perspectiva, el escorzo, el modelado y el claroscuro.
El cubismo en América Latina tiene, entre otros representantes, en la década de 1930 se da a conocer el uruguayo Joaquín Torres García, precursor del constructivismo.
Las señoritas de Avignon, cuadro pintado por Pablo Picasso en 1907 y considerado una de las principales obras del arte contemporáneo, se dedicó al estudio de la perspectiva y del tratamiento del volumen.
El pintor, fragmenta los volúmenes y superpone los diferentes planos para conseguir múltiples puntos de vista (así, la nariz de las dos mujeres que ocupan el centro de la composición está representada de perfil), propone siluetas simplificadas de contornos angulosos. Los rostros de las dos mujeres del centro se sitúan próximos a la tradición española, mientras que las otras mujeres situadas a la derecha, sombreadas y extrañamente deformadas, muestra la influencia del arte africano.
El espacio de la tela parece desprovisto de profundidad y todos los planos se sitúan en la superficie del cuadro.
Las señoritas de Avignon muestra claramente el final de la época azul (1901—1904) dejando atrás el color frío que expresa soledad y miseria, para dar comienzo a la época rosa.
Esta etapa se va aclarando su paleta de colores y utiliza la calidez de los rosas, ocres y naranjas, observa el cuerpo humano y lo dibuja en todas sus facetas, se ve inspirado el personajes circenses, especialmente los arlequines.
Fuente
Enciclopedia Encarta 2005.
ANTOINE, Veronique, Picasso, un día en su estudio, Anaya, Madrid, 1992.
El pintor, fragmenta los volúmenes y superpone los diferentes planos para conseguir múltiples puntos de vista (así, la nariz de las dos mujeres que ocupan el centro de la composición está representada de perfil), propone siluetas simplificadas de contornos angulosos. Los rostros de las dos mujeres del centro se sitúan próximos a la tradición española, mientras que las otras mujeres situadas a la derecha, sombreadas y extrañamente deformadas, muestra la influencia del arte africano.
El espacio de la tela parece desprovisto de profundidad y todos los planos se sitúan en la superficie del cuadro.
Las señoritas de Avignon muestra claramente el final de la época azul (1901—1904) dejando atrás el color frío que expresa soledad y miseria, para dar comienzo a la época rosa.
Esta etapa se va aclarando su paleta de colores y utiliza la calidez de los rosas, ocres y naranjas, observa el cuerpo humano y lo dibuja en todas sus facetas, se ve inspirado el personajes circenses, especialmente los arlequines.
Fuente
Enciclopedia Encarta 2005.
ANTOINE, Veronique, Picasso, un día en su estudio, Anaya, Madrid, 1992.
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